Antiek blog

The Ruyi Scepter

Mon, 09 Aug 2021 10:08:33 GMT

The Ruyi Scepter

Ruyi, een ceremoniële scepter, wordt door de Chinezen vereerd om zijn symbool van geluk en een lang leven. Maar wat veel mensen niet weten is dat ruyi oorspronkelijk was ontworpen als rugkrabber.

In het Chinees betekent ruyi "alles gaat goed" en de populariteit bereikte een hoogtepunt tijdens de Qing-dynastie (1644-1911).

De oorsprong van ruyi gaat terug tot de periode van de Warring States.

Vroeger werden stokken of bamboe van een meter lang gebruikt om plekken te ontlasten die met de eigen handen niet goed bereikbaar waren. Met een rugkrabber kun je plekken krabben waar je zelf niet bij kon. De naam ruyi, werd als zodanig afgeleid, want het impliceert "volgens iemands wensen".

Ruyi werd eerst gebruikt door het gewone volk, voordat de Chinese keizers en keizerlijke ambtenaren er een voorliefde voor kregen.

Om aan de keizerlijke smaak te voldoen, werd een voortreffelijke ruyi vervaardigd door de beste ambachtslieden van het land. Maar na verloop van tijd verloor de ruyi zijn praktische nut. Ruyi werd niet langer gebruikt als ruggenkrabber, maar kreeg een hogere status als keizerlijk geschenk.

Ruyi kan van verschillende materialen zijn gemaakt, zoals goud, zilver, jade, koper, smaragd, kristal, robijn of parel. Het varieert ook in het aantal versieringen.

De meeste ruyi zijn voorzien van een lang kwastje, dat aan de charme ervan bijdraagt. De kwastjes kunnen rood, groen, geel of blauw van kleur zijn. Het varieert ook in het type knoop dat wordt gebruikt.

De kop van de scepter is vaak gesneden in de vorm van een lingzhi zwam, zonnebloem, wolk of een lotus. De lingzhi zwam blijft de meest populaire vorm, omdat deze in de Chinese folklore symbool staat voor onsterfelijkheid.

In vroegere tijden geloofde men dat de lingzhi zwam een soort onsterfelijkheidspil was die over herrijzeniskrachten beschikte. Er wordt gezegd dat een onsterfelijke tot 700 jaar leefde dankzij zijn consequente inname van lingzhi zwammen.

De lingzhi zwam is ook een veelvoorkomend symbool in vele Chinese folklore verhalen. In "Legende van de Witte Slang" trotseert de slangengeest het gevaar en steelt een magisch kruid om haar geliefde te doen herleven. Het kruid was niemand minder dan lingzhi zwam.

Door deze folklore associeerden de mensen de schimmel met een lang leven. Onnodig te zeggen dat lingzhi ruyi aan populariteit won omdat het een lang leven voor de eigenaar betekent.

Andere veel voorkomende motieven voor het versieren van ruyi zijn de Drie Overvloed - perzik, Boeddha's hand en granaatappel. De vruchten symboliseren respectievelijk een lang leven, fortuin en een overvloed aan nakomelingen.

De Chinese taal kent veel homofonen of woorden die dezelfde uitspraak hebben. Dit schept ruimte voor symboliek, waarbij voorwerpen worden gebruikt om betekenis te geven wanneer ze dezelfde uitspraak hebben.

Dadelpruimen (shì) worden vaak op ruyi gekerfd, omdat het dezelfde klank heeft als ding (ook uitgesproken als shì) in het Chinees. Als een kaki op een ruyi wordt gekerfd, betekent dat dat alles goed gaat.

Zet een paar kwartels en graanaren bij elkaar en het impliceert de boodschap "Moge u jaar na jaar vrede hebben". Kwartel (ān chún) symboliseert vrede (spreek uit als píng ān), terwijl graanaren staan voor jaar (beide spreek je uit als suì).

Als er vijf vleermuizen (fú) rond het teken voor lang leven staan, vertegenwoordigt dat vijf fortuinen (ook uitgesproken als fú) en een lang leven. De vijf zegeningen zijn gezondheid, rijkdom, lang leven, liefde voor de deugd en een vredige dood.

Ruyi was ook een gunstig geschenk tijdens de Qing-dynastie. Het keizerlijk hof gaf vaak ruyi bij gelegenheden als inhuldiging, kroning, verjaardagen en huwelijken.

Voor de 60e verjaardag van keizer Qianlong maakten zijn ministers 60 gouden ruyi - 43,5 kilogram goud werd gebruikt.

Om in de gunst te komen, schonk een keizerlijke ambtenaar zelfs 81 ruyi aan keizerin-weduwe Cixi voor haar 60ste verjaardag. Naar verluidt zou keizerin-weduwe Cixi voor die gelegenheid meer dan 1.000 ruyi hebben ontvangen.

Ruyi speelden ook een centrale rol bij koninklijke huwelijksceremonies. Voor keizer Guangxu koos keizerin-weduwe Cixi vijf kandidaten voor de keizerin. Volgens de traditie had de keizer één ruyi en twee geborduurde pursues. Hij zou de ruyi overhandigen aan wie hij als zijn keizerin wenste, terwijl de beurs zijn concubine voorstelde.

Een van de kandidaten was Cixi's geliefde nichtje, die uiteindelijk keizerin Longyu werd. Twee andere kandidaten waren de dochters van Jiangxi gouverneur Dexin. De laatste twee kandidaten waren de dochters van de vice-minister van het ministerie van Riten Changxu, die tot concubines Jin en Zhen werden benoemd.

Keizer Guangxu hield niet van Cixi's nichtje. Hij wilde de ruyi overdragen aan Dexin's dochter maar werd tegengehouden door Cixi. Bang om de keizerin-weduwe tegen te werken, koos Guangxu met tegenzin voor Longyu.

Cixi was nog steeds bang dat de keizer Longyu zou verwaarlozen als hij Dexin's dochter zou kiezen. Daarom gaf zij haar mannen de opdracht de geborduurde tas door te geven aan de dochters van Changxu.

Ondanks Cixi's invloed op het huwelijk van de keizer, werkte het averechts op haar. Zij stond erop concubine Zhen te kiezen, die voor Cixi alleen maar een doorn in het oog werd. Concubine Zhen steunde de hervormingspogingen van de keizer en dwarsboomde Cixi. Er werd gezegd dat Cixi de dood van gemalin Zhen beraamde. In 1900, toen de geallieerde troepen van de Acht Machten Beijing binnenvielen, gaf Cixi een eunuch de opdracht Consort Zhen te doden.

In het Paleismuseum van Beijing worden meer dan 3000 ruyi tentoongesteld. De meeste behoren tot de Qing Dynastie.

De groene jade scepter uit onze collectie kunt u hieronder zien.

19e eeuwse Europese Beeldhouwkunst

Sun, 08 Aug 2021 08:17:18 GMT

19e eeuwse Europese beeldhouwkunst

In de 19e eeuw evolueerde de westerse beeldhouwkunst van een academische stijl, geworteld in conservatieve en klassieke idealen, naar wat wij vandaag de dag herkennen als de grondslagen van het Modernisme. Mythische en historische onderwerpen, die door de meeste artistieke instellingen van die tijd lang als het toppunt van hoge kunst werden beschouwd, begonnen plaats te maken voor realistische voorstellingen van hedendaagse figuren.

Tegelijkertijd begon de middenklasse, verrijkt door de industriële revolutie, meer en meer opdrachten te geven, in een poging het prestige te verwerven dat met de conservatieve stijl werd geassocieerd.

Beeldhouwkunst bleef in deze periode relatief duur om te maken. Grote werken moesten in opdracht worden gemaakt, een proces dat het vermogen van een kunstenaar om zijn oorspronkelijke visie te realiseren in gevaar kon brengen.

Auguste Rodin kreeg de beroemde opdracht om "De poorten van de hel" te maken voor het Parijse Museum voor decoratieve kunsten, maar de opdracht werd ingetrokken toen de financiering van het museum niet rond kwam.

snelle feiten

-Veel opmerkelijke beeldhouwwerken uit deze periode zijn holle bronzen afgietsels, die dankzij de nieuwe industriële technologie gemakkelijker te reproduceren waren. Bronsgieterijen werden opgericht in Parijs en andere grote steden om het gieten van kunstwerken te vergemakkelijken

-Een uitzondering op de prominente rol van brons was het baanbrekende werk Little Dancer of Fourteen Years van Edgar Degas, dat oorspronkelijk werd getoond als ruwe was, gekleed in echte kleren en met een pruik van echt mensenhaar

Het meesterwerk "De wals" van de 19e eeuwse beeldhouwer Camille Claudel werd ter inspiratie bovenop de piano van de Franse componist Claude Debussy bewaard.

Brons

Bronzen Beelden en de geschiedenis

Brons is typisch het materiaal van keuze wanneer een beeldhouwer kiest om een werk in metaal uit te voeren. Gietstukken hebben minder ondersteuning nodig dan de meeste andere media, zijn minder vatbaar voor breuk, zijn gemakkelijker te reproduceren, staan de uitvoering van fijnere details toe, en kunnen in fasen in elkaar worden gezet. Als gevolg hiervan hebben oude culturen over de hele wereld, van het Middellandse-Zeegebied tot Zuidoost-Azië en Afrika ten zuiden van de Sahara, op verschillende momenten in de geschiedenis methoden ontwikkeld om gegoten bronzen beelden te maken.

De grootste "zwakte" van brons is zijn inherente waarde als materiaal. Door de geschiedenis heen zijn veel bronzen voorwerpen omgesmolten om het ruwe metaal zelf terug te winnen, dat dan opnieuw werd gegoten als wapens of om nieuwe beelden te maken als een stuk uit de gratie was geraakt. Geschat wordt dat tussen de 40 en 60 procent van de moderne Europese bronzen beelden die voor de Eerste Wereldoorlog zijn gemaakt, verloren zijn gegaan. De decimering van oude beeldhouwkunst is nog groter.

Hoewel andere technieken, zoals hameren, zijn gebruikt om brons in verschillende vormen te gieten, is het "verloren was" gieten de dominante methode geweest gedurende een groot deel van de geschiedenis. De oude Grieken werden beschouwd als de oorspronkelijke meesters van deze techniek, omdat zij de eersten waren die met deze methode levensgrote stukken maakten. Van veel marmeren beelden uit de westerse oudheid is bekend dat het Romeinse kopieën zijn van originele Griekse bronzen meesterwerken, waarvan er tot op de dag van vandaag maar heel weinig bewaard zijn gebleven.

De oudste verloren-was artefacten die vandaag de dag bekend zijn, zijn gevonden in Nahal Mishmar in Zuid Israel. Koolstofdatering schat dat de daar gevonden bronzen scepter dateert van ongeveer 3500 v. Chr.

Meissen Porselein

Sun, 08 Aug 2021 08:11:43 GMT

Porselein

Meissen porselein

Meissen porselein werd in 1708 ontwikkeld en was het eerste Europese porselein met een harde porseleinlaag, een procédé dat oorspronkelijk tussen de 7e en 8e eeuw in China werd uitgevonden. Hoewel er enige onenigheid bestaat over wie precies het geheim ontdekte van de productie van porselein, een luxegoed dat tot dan toe alleen uit China werd geëxporteerd, was de fabriek van Meissen ongetwijfeld de eerste Europese producent die porselein in grote hoeveelheden vervaardigde.

Hard Meissner porselein, ook bekend als Meissner porselein, wordt gemaakt door veldspaat, kaolien, kwarts en andere grondstoffen te mengen. Het verschilt van zacht Meissen-porselein vooral in de baktemperatuur, omdat voor hard porselein een hogere temperatuur nodig is. Het resultaat is een doorschijnende, witte keramiek die minder snel barst wanneer hij aan hete vloeistoffen wordt blootgesteld.

Door zijn zeldzaamheid en kostbaarheid was Meissner porselein een van de meest gewilde producten voor de hogere klasse. Zij ontvingen vaak bestellingen van elitaire families in Rusland, Engeland en Frankrijk. Veel van deze familieverzamelingen van Meissen-beeldjes zijn sindsdien geschonken aan enkele van 's werelds grootste musea, waaronder het Musée des Arts Décoratifs in Parijs.

Snelle feiten

-Het signatuurlogo van Meissen, de gekruiste zwaarden, werd in 1720 geïntroduceerd en is een van de oudste handelsmerken die er bestaan

-De productie van porselein in Meissen, vlakbij Dresden, trok veel kunstenaars en ambachtslieden aan, waardoor Dresden veranderde in een cultureel en artistiek centrum

-Een van de huwelijksgeschenken van koningin Elizabeth II was een porseleinen Meissen chocoladepot, deksel en standaard uit ca. 1780 , tevens hebben wij nog een prachtige antieke 18e Meissen chocolade pot in onze collectie zie foto.

Op de foto ziet u het beeld dat wij in onze collectie hebben : Urania, de Hemelse, de Muze van de Astronomie.

Het beeldhouwwerk, een meesterwerk van het modelbouwgenie Johann Joachim Kaendler uit 1748, belichaamt de geest en de esthetiek van de formele en weelderige Rococo in zijn hoogste artistieke expressie. De filigreinversiering van de hemelbol is een kunstwerk in miniatuur. Met filigraan penseelstreken creëerde de schilder de kleurrijke voorstelling van de tekens van de dierenriem aan een blauwe, geurige nachthemel. 46 cm breedte: 28,5 cm diepte: 18 cm gewicht: 5200 g

Een inleiding tot het neoclassicisme

Sat, 07 Aug 2021 11:18:00 GMT

Een inleiding tot het neoclassicisme

Wat is neoclassicisme?

Het neoclassicisme is een stijl van decoratieve kunst geïnspireerd op de kunst en design uit het klassieke Griekenland en het oude Rome, populair tussen 1760 en 1790.

Toen het Franse volk in de jaren voor de Franse Revolutie genoeg kreeg van de excessen van de bourgeoisie, weerspiegelde de ontwerpstijl die in deze periode populair was de stemming van het volk. Tijdens het bewind van Lodewijk XVI (de laatste koning van Frankrijk) streefden Franse intellectuelen naar een gevoel van morele matiging. Deze ingetogen periode werd geïnspireerd door de idealen van de Verlichting, maar ook door de republikeinse tijd van Rome en de kunstenaars en intellectuelen van het oude Griekenland. Het neoclassicisme, geassocieerd met bescheidenheid en soberheid, markeerde een afscheid van het rococo, de trend die eraan voorafging en die werd geassocieerd met pastelkleuren, plezier, frivoliteit en zelfs flirt, zij het beperkt tot de gegoede klassen.

De overgang naar de neoklassieke stijl werd verder beïnvloed door opgravingen die in dezelfde periode plaatsvonden. De bedolven steden Pompeii en Herculaneum, die het slachtoffer waren geworden van de uitbarsting van de Vesuvius in 79 na Christus, leverden artefacten op die de nieuwe stijl in decoratieve kunst en meubilair hielpen bepalen. Het gaf de mensen het gevoel dat ze iets nieuws aan het creëren waren, maar gebaseerd op de wijsheid van de oudheid.

De overgang van rococo naar neoclassicisme verliep geleidelijk; veel vroege neoclassicistische stukken waren niet zozeer een afwijzing van de rococostijl, als wel van de sierlijke rondingen van het rococo en de geometrische strengheid van de latere neoclassicistische stijl. Veel van het meubilair uit het Europa van de jaren 1760 en 1770 wordt aangeduid als "overgangsstijl".

Gemeenschappelijke kenmerken van neoklassieke meubelen:

Geometriciteit

Ver verwijderd van Rococo's golvende extravagantie, was dit een relatief minimale stijl. Neoklassieke ontwerpers gaven de voorkeur aan geometriciteit in de vorm van rechte lijnen, scherpe randen, driehoeken en cirkels, zowel voor de decoratie van het oppervlak (zoals door het Griekse Sleutel patroon) als voor de algemene vormen (tafels en stoelen hadden rechte poten, ingangen van gebouwen werden nu voorzien van zuilen).

Dieren

Dieren, zowel echte als denkbeeldige, verschenen op meubels. Dolfijnen, leeuwen, ramskoppen, maar ook sfinxen, griffioenen, stieren en nog veel meer.

Festoenen

Vaak werden meubels versierd met een ornamenteel motief dat bekend staat als een "festoen". Een festoen bestaat meestal uit bloemen, fruit of gebladerte, en stof, aan beide uiteinden samengebonden met linten. Vaak werd dit uit marmer of hout gesneden, maar van tijd tot tijd werd het ook met verf aangebracht.

Kralen

Rijen kleine kralen werden vaak gebruikt in neoklassieke decoratieve kunst, vaak in de vorm van kroonluchters en wandkandelaars.

Vazen

Net als de Grieken en Romeinen die hen inspireerden, hielden de voorstanders van neoklassiek design van vazen als ornamenten, en er zijn er nog veel over uit deze periode.

Dressoirs

Dressoirs waren een relatief nieuw meubelstuk dat in deze periode opkwam. Dressoirs worden sterk geassocieerd met de gebroeders Adam, die vaak worden gecrediteerd voor hun populariteit (en velen gaan ervan uit dat zij de oorspronkelijke bedenkers waren).

De poten van tafels en stoelen uit de rococo-periode hadden meestal een vloeiende lijn. Rechte, taps toelopende poten voor tafels en stoelen (zij het vaak versierd met dieren of festoenen) waren daarentegen kenmerkend voor de neoklassieke stijl.

Baanbrekende Neoklassieke Architecten en Ontwerpers

Historisch gezien werkten architecten aan het interieur en de industriële ontwerpaspecten van een gebouw, waarbij ze meubels en decoraties integreerden in het gebouw als geheel.

Ange-Jacques Gabriel (1698-1782)

Gabriel was de Franse architect achter belangrijke openbare ruimten in Parijs, waaronder de Ecole Militaire en de Place de la Concorde.

Jean Chalgrin (1739-1811)

De architect achter de gebouwen die Frankrijk op het internationale toneel vertegenwoordigden (de gebouwen die werden ontworpen voor de Exposition des produits de l'industrie française, de voorloper van de Grote Tentoonstelling, die liep van 1798 tot 1849). Het bekendst is Chalgrin als ontwerper van een van de bekendste Franse monumenten, de Arc de Triomphe.

De gebroeders Adam

De Schotse broers Robert (1728 - 1792), James (1732 -1794) en John (1721 -1792) Adam pleitten sterk voor de integratie tussen architectuur en interieur. Hun interieurwerk kan nog steeds door het publiek worden bezichtigd op locaties als Syon House in Londen, dat populair is vanwege het grootse neoklassieke interieur van Robert Adam.

Sir John Soane (1753 -1837)

Sir John Soane, een van de meest geliefde architecten uit de Britse geschiedenis, ontwierp de beroemde Bank of London na zijn Grand Tour, waarbij hij sterk werd beïnvloed door een bezoek aan Rome. Soane's House is ook open voor het publiek in Londen: het publiek kan er meer te weten komen over Soane's benadering van design en zijn collecties antiquiteiten uit het oude Egypte en Rome bekijken die als leidraad dienden bij zijn werk.

Neushoorns een bijzonder verhaal

Sat, 07 Aug 2021 09:08:50 GMT

Het verhaal achter de neushoorn pendules

Op deze houtsnede gemaakt door Dürer draagt de neushoorn een harnas op zijn rug en er is een extra hoorn gemaakt, maar hoe komt het dat Dürer dit harnas tekende als werkelijk onderdeel van de neushoorn?

Tegenwoordig staan we niet zo stil hoe het zou zijn om de wereld te ontdekken. Hoe zou je een dier afbeelden, dat je in werkelijkheid nog nooit hebt gezien. Zou het perspectief dan overeenkomen? Het verhaal achter de Neushoorn pendules is een prachtig voorbeeld hoe een vertekend beeld van de werkelijkheid kan voortbestaan enkel en alleen door aannames.

Tijd schrift 4/2016

De Koning van Groningen was Jan Albert Sichterman, die leefde van 1692-1764. Hij kwam uit een gegoede Drents/Groningse familiemet een militaire achtergrond en Jan Albert was voorbestemd voor een militai- re carrière. Tijdens een duel in 1716 doodde hij, naar verluid onopzettelijk, zijn tegenstander. Daar stond destijds de doodstraf op. Hij vluchtte Nederland uit en belandde in Bengalen, aan de noord- oost kust van India. Hij klom daar op tot VOC-gouverneur. In de bijna dertig jaar die hij in Bengalen verbleef, vergaarde hij een fortuin; boze tongen beweren onder andere met de illegale handel in opium. In het jaar 1738 ontving Jan Albert van de belangrijkste inheemse bestuurder als geschenk een kalf van een neushoorn, wiens moeder in Assam door jagers was gedood. Het jonge vrouwelijke neushoorntje werd Clara genoemd en diende ter vermaak. Zij liep vrij rond in Jan Albert zijn huis. Naarmate Clara groeide, werd ze uiteraard moeilijker te handha- ven. Jan Albert besloot haar in 1740 aan een Nederlandse VOC-kapitein, genaamd Douwe Mout van der Meer, te verkopen, die haar met de boot ‘Knapenhof’ naar Nederland bracht. In 1745 keerde Jan Albert schatrijk terug naar Groningen en liet een woning (‘Huis Sichterman‘) bouwen aan de Ossenmarkt. Deze statige woning liet hij inrichten met de meest kostbare schilderijen van Rembrandt en Jan Steen en vele andere kunstvoorwerpen, vaak voorzien van zijn familiewapen.

Clara, de neushoorn

Douwe Mout toonde Clara tegen betaling aan het publiek, onder andere in Leiden en in Amsterdam. Dit was een enorm succes dat goed geld in het laatje bracht. Hij besloot dan ook een uitgebrei- de Europese tour met Clara op te zetten. Dat was zeker destijds een hele expeditie. Als volwassen dier moet Clara circa 2.000 kilo hebben gewogen en ze werd dan ook vervoerd in een speciaal voor dat doel gemaakte wagen. Vanaf 1746 bezocht Clara onder andere Warschau, Berlijn, Dresden, Wenen, Venetië, Zürich, Rome, Marseille, Parijs en Londen. Nog nooit eerder hadden zoveel mensen in Europa een neushoorn in levende lijve kunnen zien. Douwe Mout beschikte over enorme marketingkwaliteiten om het ‘product’ Clara aan de man te bren- gen en daardoor was de Europese tour een groot succes. Men stond in de rij om haar te mogen zien in de overtuiging dat er nooit meer een kans zou komen om een levende neushoorn te zien.

Douwe Mout creëerde zo een ‘rhino- mania’.
Vanuit Reims arriveerde Clara in januari 1749 in Versailles op weg naar Parijs. Clara was de sensatie op de jaarlijkse St. Germain Fair van 3 februari 1749. Vele nobele Fransen hebben haar tegen beta- ling mogen zien. Clara trok zelfs de aan- dacht van Lodewijk XV en hij was zo onder de indruk van haar dat hij haar wilde kopen. Douwe Mout, als Hollandse koopman, calculeerde hoelang Clara nog te leven had en hoeveel hij nog met haar kon verdienen. Op basis daarvan kwam hij tot een vraagprijs van 100.000 écus. Met deze som geld kon een edelman zich drie jaar lang prima bedruipen. Lodewijk XV vond de vraagprijs veel te hoog en ze kwamen niet tot elkaar. Ruim 20 jaar later, op 11 september 1770, ontving Lodewijk XV een andere neushoorn als geschenk en werd deze in de stallen van Versailles opgenomen.

Albrecht Dürer

Voorafgaand aan de Clara tour was de neushoorn niet geheel onbekend. In 1515 (ruim 200 jaar eerder!) werd een neus- hoorn in Lissabon aan land gebracht en ter gelegenheid daarvan door Albrecht Dürer op een prent afgebeeld

verdronk op weg van Lissabon naar Rome tijdens een schipbreuk. Voor dit transport over water was de neushoorn uitgedost met een speciaal voor dat doel vervaardigd harnas, waarvan Dürer aan- nam dat het zijn huid was. Ruim 200 jaar lang heeft men dan ook aangenomen dat een neushoorn, zoals door Dürer getekend in harnas, een werkelijke weergave van een neushoorn was. Vanaf 1742 werd er in kunstuitingen dan ook een andere neushoorn afgebeeld, namelijk Clara.

Het gevolg van dit alles was dat Clara zorgde voor een sensationele ommekeer in de beeldvorming hoe een neushoorn er werkelijk uitzag. Dit had ook een invloed op de klokken met een neushoornafbeelding.

Halverwege de 18de eeuw kwamen er neushoornklokken op de markt. Er zijn twee typen klokken gemaakt. De eerste toont een neushoorn met schild en latere periodes is er geen harnas meer aanwezig en ook de onnatuurlijke hoorn op de rug is verdwenen. De bekende bronzeur Jean-Joseph de Saint Germain (1719-1791) was een belangrijke maker van neushoornklokken. Hij creëerde meerdere typen. Soms staat de neushoorn in tegenovergestelde positie of zit er een Chinese figuur op de klok in plaats van de Indiase. Er zijn ook identieke exemplaren bekend als de hier onder beschreven, maar dan zonder speelwerkbasement. Vergelijkbare exemplaren komen zelden te koop (de laatste werd in 1985 in New York geveild) en bevinden zich bijna uitsluitend in musea waaronder het Louvre in Parijs.

Klokken met een afbeelding van een neushoorn. Daar waar in de periode voorafgaand aan de 18de eeuw een sterke nadruk lag op de theologische gedachte kwam tijdens de Verlichting de interesse in andere culturen en de natuur tot bloei. In
de rococo periode ging men op zoek naar exotische afbeeldingen en vanaf het begin tot het midden van de 18de eeuw zocht men inspiratie onder andere in het Midden- en het Verre Oosten. Zo ontstonden kunstuitingen, waar onder klokken,
met voorstellingen van de toen minder bekende dieren die daar leefden. Voorstellingen waarop olifanten voorkomen werden al gebruikt sinds de Renaissance, maar afbeeldingen op klokken van neushoorns, kamelen en dromedarissen waren minder gewoon.

Een uitzonderlijk

Japanse Kunst

Fri, 06 Aug 2021 14:56:33 GMT

Een stukje geschiedenis van Japanse Kunst

Japanse kunst heeft ten opzichte van zijn tegenhanger China een dramatische prijsdaling meegemaakt.

Authentiek Chinees porselein is niet aan te slepen, terwijl er minimale vraag is naar japans porselein.

Feit: de 150 miljoen Japanners kopen hun eigen erfgoed niet terug, dus er is geen vraag. Ook de wereld van de Kunst & Antiek is aan vraag onderhevig. Jammer, want er zitten waanzinnige stukken tussen, die nooit meer gemaakt zullen worden.

De Japanse kunst dateert al van het 10e millennium v. Chr. Zij is uniek door haar voortdurende absorptie, aanpassing en afleiding van invloeden van buitenaf en binnenvallende culturen. De Japanse schilderkunst kwam voort uit de boeddhistische Chinese invloed, het bronswerk werd geïnitieerd door de Koreanen, en de constante gelijktijdige assimilatie en verwerping van westerse missionaire olieverfschilderstijlen karakteriseren de tijdlijn van de Japanse kunstgeschiedenis. Hoewel een groot deel van de Japanse kunstgeschiedenis beïnvloed is door religie, is de seculiere kunst van het land misschien wel het meest invloedrijk, met inbegrip van theater, houtblokdruk, bronswerk, poëzie, kleding, accessoires en maskers.

Hoewel de vroege bronzen werken in Japan wijzen op een worsteling om het medium te gebruiken, waren de Japanners in de eerste eeuw na Christus in staat om pijlpunten, dolken, zwaarden, speerpunten en andere wapens te maken. In de tweede eeuw na Christus vervaardigden de Japanners ceremoniële klokken met geometrische patronen, en in de eeuw daarna werd de kunst verder geperfectioneerd en werden klokken met dunnere wanden vervaardigd. Bronzen spiegels zijn een uitstekend voorbeeld van het ingewikkelde bronswerk van Japan. De ene zijde is gepolijst tot een zeer reflecterende glans, de andere zijde is versierd met geometrische vormen en natuurlijke motieven die voortkomen uit de traditionele literatuur. Veel bronzen spiegels zijn voorzien van handgrepen uit de eerste eeuw na Christus.

Een andere artistieke kracht in Japan is de mode, met name de inro en zijn accessoires. Deze doosjes werden vastgemaakt aan de kimonogordel, die geen zakken had. Om een inro aan de kimono vast te maken, werd deze vastgebonden aan een netsuke, die de inro boven de gordel op zijn plaats hield, terwijl de ojime kraal de inro stevig dichthield. Aangezien kimono's niet meer in de mode zijn, hebben ojime geen functioneel nut meer, behoudens ceremoniële gebruiken. Kunstig uitgesneden en versierde ojime blijven echter een uniek decoratief verzamelobject.

Japans Porselein :

PRESTIGIEUZE EN MONUMENTAAL Vanaf het midden van de 17e eeuw werden in Arita prestigieuze stukken ontworpen voor westerse smaken en bedoeld voor export. De rijkdom en weelde van hun decoratie, het gebruik van vergulding en hun steeds indrukwekkendere afmetingen, waren perfect geschikt voor porseleinen kasten en prachtige barokke interieurs van Europese hoven en paleizen. Het was niet ongebruikelijk dat deze keramiek werd bekroond met metalen monturen La gemaakt door de beste Europese goudsmeden en zilversmeden. Deze exotische luxeartikelen bleven fascineren tot de 19e eeuw. De Japanse paviljoens op de Wereldtentoonstellingen toonden de kennis en inventiviteit van het land. Bedrijven als Koransha Fukagawa en Hichozan Shinpo presenteerden hun producten op de wereldtentoonstellingen in Londen, Parijs en Wenen. Vazen, potten met deksel, wierookbranders en monumentale lantaarns waren een groot succes en sommigen wonnen zelfs de prix d'honneur. Deze werken, die opvallen door hun grootte en versiering, zijn eindeloos betoverend.

ARITA Porselein wordt sinds het begin van de 17e eeuw in Japan geproduceerd. De techniek is ontwikkeld in de Arita-regio, op het eiland Kyūshū, waar het door Koreaanse pottenbakkers was geïntroduceerd. In het midden van de 17e eeuw, toen de handelaren van de Oost-Indische Compagnie vanwege de burgeroorlog in China geen porselein meer in Jingdezhen konden kopen, wendden ze zich tot Japan. Specifieke vormen en decoraties werden besteld voor de westerse markt. Arita-pottenbakkers kopieerden ze soms naar Chinese of Europese modellen. De geschilderde ontwerpen zijn zeer gevarieerd: naast het blauw en wit van de kraak- of overgangsstijl verschenen de glinsterende polychrome motieven van Imari-, Kakiemon- en Nabeshima-waren. De productiemethoden van deze laatste waren een goed bewaard geheim. Op zijn beurt beïnvloedde de Japanse stijl Chinese en Europese keramiek.

SATSUMA Van de 17e tot het begin van de 19e eeuw, werd 'Satsuma' gebruikt als een nogal onnauwkeurige term om alle keramiek aan te duiden, sa-productie van het oude landgoed met dezelfde naam, gelegen op het eiland Kyūshū. Aanvankelijk gereserveerd voor feodale aristocratie en hogere la ac echelons van samoerai, werd de witte keramische klei van Satsuma versierd met polychrome ontwerpen uit de 18e eeuw. De stijl, ivoor van kleur met rijke ontwerpen benadrukt in goud, werd de volgende eeuw enorm populair dankzij de grootschalige commercialisering. Vanaf de jaren 1860 wekten de mysteries van deze esthetische S-stijl, die vooral op de Wereldtentoonstellingen werd tentoongesteld, de interesse van de westerse markten. De komst van de Meiji-periode (1868) en de opening naar de relaties met de buitenwereld leidden tot een toename van het aantal sites die in de Satsuma-stijl produceerden (Kyōto, Ösaka, Yokohama, Tōkyō, S enz.) en bevorderden de ontwikkeling van stukken voornamelijk voor de export.

DE MEIJI-PERIODE De val van het shogunaat en zijn feodale systeem in het midden van de 19e eeuw leidde tot de geboorte van het moderne Japan en radicale veranderingen. Met de komst van de Meiji-periode (1868-1912) breidde het land zijn internationale handel uit, wat een belangrijke prioriteit van de regering was geworden. Ambachtslieden en ambachtslieden, verstoken van de steun van de grote huizen, waren enthousiaste deelnemers. De keramiekproductie in de Meiji-periode was omvangrijk en zeer divers. Uitzonderlijke stukken voegden zich bij meer bescheiden in massa geproduceerde objecten, vaak in dezelfde fabriek. Kutani, Seto, Yokohama, Banko, Yokkaichi of Nagoya waren centra van bepaalde stijlen en technieken. Er zijn nog steeds grote hiaten in de kennis over de geschiedenis van veel van de workshops - acteurs in deze creatieve uitbundigheid - die nog moet worden geschreven ....

SETO/YOKOHAMA De productie in de stad Seto was voornamelijk op industriële schaal om het groeiende aantal schilderworkshops - etsuke - in Tōkyō, Kõbe, Nagoya en Yokohama te bevoorraden. Diensten waren versierd met bloementhema's, levendige landschappen, menselijke figuren, legendes en andere Japanse onderwerpen. Aan het begin van het Meiji-tijdperk, toen Japan weer open ging voor de buitenwereld, werd de havenstad Yokohama een zenuwcentrum voor exportactiviteiten naar Europa en de Verenigde Staten. Pottenbakkers begonnen een formeel vocabulaire aan te nemen in overeenstemming met de westerse smaak en creëerden zo thee- en koffieservices die moderniteit en traditie combineren. Bepaalde voorwerpen waren niet gebruikelijk in Japan: inderdaad, kopjes met handvatten, melkkannen en suikerpotten werden niet gebruikt voor de dagelijkse consumptie van dranken, noch voor theeceremonie of chanoyu.

-Imari porselein werd voor het eerst gemaakt in de 17e eeuw in de stad Arita. Toen een Koreaanse pottenbakker ontdekte dat de grond rijk was aan kaolien, een kleisoort die essentieel is voor het maken van wit porselein, ontstonden al snel blauw-witte porseleinen voorwerpen. De werken zijn meestal mooi en ingewikkeld, met afbeeldingen van weelderige natuurlandschappen, elegante wezens en serene voorstellingen van het dagelijkse leven van courtisanes.

De term "imari" is afgeleid van de naam van de haven waarlangs het meeste porselein in deze bijzondere stijl werd verhandeld. De Imari haven werd het meest gebruikt in de 17de en 18de eeuw. Dit porselein omvat imari borden, imari vazen, kommen, potten, kopjes en zelfs beeldjes.

Pas in de 18de eeuw werden rode, blauwe, witte en gouden imari porseleinen voorwerpen ontwikkeld

Japanse keramiekkunstenaars hadden moeite om met China te concurreren op dit exportgebied. China kopieerde de imari porselein stijl van decoratie en was in staat om imari waren te exporteren tegen lagere kosten dan Japan. Pas tegen het einde van de 19e eeuw werd Japans imari porselein weer populair op de westerse markt .

Yi Sam-Pyeong, de Koreaanse pottenbakker die de aanwezigheid van kaolien in Japans land zou heb ben ontdekt, is een omstreden historische figuur. Hij zou de Japanse naam "Kanagae Sanbee" hebben aangenomen naar zijn uitstekende prestaties in het porseleinen medium

Japanse kunst wordt helaas erg ondergewaardeerd in vergelijking met zijn tegenhanger China.

Dit heeft alles te maken met vraag en aanbod waar ook de antiek markt onderhevig aan is.

Foto's zijn gemaakt tijdens de expositie van het Musée Ariana in Genève Zwitserland Augustus 2021.

Antiek blog

The Ruyi Scepter

The Ruyi Scepter

19e eeuwse Europese Beeldhouwkunst

19e eeuwse Europese beeldhouwkunst

Meissen Porselein

Porselein ﻿

Een inleiding tot het neoclassicisme

Een inleiding tot het neoclassicisme

Neushoorns een bijzonder verhaal

Het verhaal achter de neushoorn pendules

Japanse Kunst

Een stukje geschiedenis van Japanse Kunst ﻿

Porselein

Een stukje geschiedenis van Japanse Kunst